viernes, 17 de julio de 2015

La bauhaus (Escuela de diseño)



La escuela de oficios y diseño Bauhaus, o Staatliche Bauhaus, es uno de los hitos del arte moderno. Tocó las distintas áreas artísticas, aunque fue en la arquitectura donde más influyó. Las bellas artes y la artesanía tenían el mismo valor dentro de la producción industrial. 
Su significado es “Casa de la construcción” y de ahí salieron algunas de las ideas y propuestas más interesantes de principios del siglo XX. No sólo fue una escuela, también se convirtió en todo un movimiento artístico.



La escuela Bauhaus fue fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar en 1919. Pese a que su fundador fuese arquitecto y la gran influencia que tuvo en la arquitectura, no tuvo un departamento dedicado a ella en sus primeros años. Fue definida como “el edificio del futuro”. La razón, con ella se trataba de unir todas las artes y ha influido en todas las vanguardias europeas.

Entonces aprovechó para unir la Kunstgewerbeschule de Weimar (escuela artesanal) y la Hochschule für Bildende Kunst de Weimar (la escuela de bellas artes). El resultado fue la Staatliche Bauhaus. Todas las tendencias artísticas influyeron en el diseño y la arquitectura. De hecho, la búsqueda de esa unión ideal iba encaminada especialmente a la arquitectura. Pero además, la mayoría de las corrientes vanguardistas en Europa se enriquecieron.
En la Bauhaus nacieron las bases normativas y los fundamentos académicos del diseño industrial y el diseño gráfico tal y como los conocemos. Los profesionalizó pero además lo hizo aportando un estilo propio presente en todos los objetos usados en el día día. En 1996 las obras de la escuela en Weimar y Dessau fueron nombradas Patrimonio de la Humanidad.



La escuela de diseño creó un nuevo estilo tipográfico. Las fuentes usadas eran Sans-serif. Herbert Bayer fue el publicista más destacado de la Bauhaus. Estudió en la escuela durante 4 años y Gropius lo nombró director de impresión y publicidad. En 1925 una fuente Sans-serif universal y geométrica (Architype Bayer).
Bauhaus fue un referente mundial y aún lo sigue siendo. Los diseños que salieron de la Bauhaus aún siguen siendo deseados. Pero la arquitectura fue el campo en el que más influyó. Uno de los principios era “la forma sigue a la función”. Las formas de los edificios era geométricas que estaban inspiradas en el arte grecolatino y del renacentista.

El edificio de la Bauhaus en Dessau está considerado como el mayor trabajo de Gropius, la obra más emblemática del racionalismo europeo e icono de la famosa escuela. El edificio se despliega en varios volúmenes, lo que le aporta dinamismo, y se hizo adaptado a las condiciones de su ubicación. Está hecho de acero y cristal y de los talleres del centro salieron los muebles y las lámparas de la escuela y de la residencia.


La Bauhaus tenía que ofrecer más que una especialización académica para cumplir con sus propósitos. Necesitaba nuevos métodos de enseñanza y para Gropius la base del arte estaba en la artesanía. Estaba convencido de que los artistas tenían que volver al trabajo manual. Por tanto, las clases las impartían artistas y artesanos. Los profesores procedían de distintas ramas artísticas. Entre ellos han desfilado Kandisnky, Itten, Muche, Marcks o Klee.

La escuela de ULM


La Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación o Escuela de Ulm) fue una escuela universitaria de diseño radicada en Ulm, Alemania.

Fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela. La HfG ganó rápidamente el reconocimiento internacional. Durante su funcionamiento fueron investigados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño, dentro de los departamentos de: Comunicación Visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática, y más tarde de Cinematografía.
El edificio de la HfG fue diseñado por Max Bill y sigue siendo, hoy en día un edificio importante y funcional dentro del campus de la Universidad de Ulm. La HfG fue una de las más progresistas instituciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las décadas de los 50s y 60s, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día.

La historia de la HfG se formó por medio de la innovación y el cambio, en consonancia con la propia imagen de sí misma de escuela como una institución experimental. Esto dio lugar a innumerables modificaciones en el contenido, la organización de las clases y a los continuos conflictos internos que influyeron en la decisión final del cierre de la HfG en 1968.1


Los años de posguerra, entre 1945 y 1952 en Alemania Occidental estuvieron caracterizados por fuertes planes de reestructuración y financiamiento, como el Plan Marshall.

Los orígenes de la HfG se remontan a una iniciativa por parte de la “Fundación Hermanos Scholl”. La fundación fue creada en 1950 por Inge y Grete Scholl en memoria de sus hermanos Sophie y Hans Scholl, miembros del grupo de resistencia “Rosa Blanca”, ejecutados en 1943 por el régimen Nazi.

En 1946 Inge Scholl, junto con Otl Aicher y un grupo de jóvenes intelectuales plantean crear una institución de enseñanza e investigación que vinculara la actividad creativa con la vida cotidiana y que tuviera como objetivo, colaborar en la reconstrucción cultural de una sociedad moralmente destruida por el nazismo y la segunda guerra mundial. El proyecto se financió gracias al aporte de un millón de Marcos por parte de John McCloy, que Scholl consiguió para la fundación a través de los contactos que poseía con Max Bill, Walter Gropius y los Estados Unidos; además recibió el apoyo financiero por parte del Gobierno Federal, Local, de contribuciones privadas y de las industrias.


Reloj diseñado por Max Bill durante su paso por la HfG.


El 1 de abril de 1953, comenzó a funcionar la nueva institución universitaria con Max Bill, ex alumno de la Bauhaus, como rector. El 3 de agosto de ese mismo año, comenzó a funcionar en el edificio de la escuela secundaria pública de Ulm con un cuerpo docente integrado por Hans Gugelot, Otl Aicher, Tomás Maldonado, Friedrich Vordemberge-Gildewart y Walter Zeischegg.2 Entre los profesores se encontraban Walter Peterhans, Johannes Itten, y Helene Nonné-Schmidt.

La enseñanza estaba basada en un plan de estudios de cuatro años. El primer año estaba dedicado al curso básico y luego se elegía una especialidad entre diseño de producto, comunicación visual, construcción, información (que duró hasta 1962) y cinematografía, que hasta 1961 perteneció al departamento de comunicación visual y desde 1962 se independizó.

Vehículo diseñado por Klaus Krippendorff para el proyecto final de graduación de Diseño de Producto.

El plan de estudios duraba 4 años. El primero de los años estaba dedicado al curso básico (Vorkurs) que estaba destinado a compensar el déficit de la enseñanza primaria y secundaria en cuanto a las actividades proyectuales y la creatividad.
Los 2 años siguientes se destinaban a la especialización electiva: Diseño industrial (Produktform y más tarde Produktgestaltung), Industrialización constructiva (llamada Architektur al principio), Comunicación visual e Información, y más tarde se agregó Cinematografía.

El último año estaba destinado a la tesis de grado. El plan estaba sujeto a las investigaciones que se hacían en cuanto a las nuevas aproximaciones al diseño y que luego eran puestas en práctica en cada departamento de las especialidades. El plan contenía materias de carácter científico: Análisis matemático, análisis vectorial, análisis de matrices, programación lineal, topología, cibernética, teoría de los algoritmos, antropología, psicología experimental.

El DCU (Diseño centrado en el Usuario)

En esta ocasión quiero explicarte lo que significa el DCU y este es definido por la UPA (Ussability profesionals association) como un enfoque de diseño en donde el proceso de este está dirigido por información sobre las personas que harán uso del producto a diseñar.


El origen de este surge apartir del diseño industrial y militar en donde para entonces los diseñadores estaban convencidos que el diseño de un nuevo producto debe ser adaptable al ser humano y debe responder a ciertos procesos de investigación dependiendo el producto que sería llevado a cabo. (ergonometría, arquitectura, antropometría, biomecánica).


Dejame mencionarte 6 principios clave para conseguir que un diseño sea centrado en el usuario:

1.El diseño debe estar basado en un entendimiento que el usuario haya especificado, con sus tareas y entornos.
2. El usuario está implicado en el diseño y desarrollo.
3. El diseño se dirige y se refina con una evaluación centrada en el usuario.
4. El proceso es iterativo.
5. El diseño se dirige al global de la experiencia de usuario.
6. El equipo de diseño incluye habilidades y perspectivas multidisciplinares.



La evolución de los productos y herramientas ha estado basada históricamente en procesos que en pocas ocasiones hacían partícipe al usuario final. En nuestra historia más reciente, en cambio, hemos experimentado un cambio de paradigma, fruto de la confluencia de disciplinas y caracterizado por una filosofía que convierte al usuario en el foco central del proceso de diseño.
De aquellos orígenes, y gracias al aporte de estudios e investigaciones posteriores, hoy en día contamos con un marco metodológico que nos permite diseñar productos interactivos que previsiblemente ofrecerán experiencias de uso satisfactorias. Esto exige comprender a las personas y, como decíamos en anteriores apartados, comprender también cómo utilizan los sistemas en contextos específicos.


“El DCU es un proceso cíclico en el que las decisiones de diseño están dirigidas por el usuario y los objetivos que pretende satisfacer el producto, y donde la usabilidad del diseño es evaluada de forma iterativa y mejorada incrementalmente.”

La era industrial.

Quiero explicarte en esta ocasión como es que surge la era industrial y qué significa.
Antes de todo, déjame contarte que la revolución industrial es un cambio muy grande que afecta a toda Europa desde mediados del siglo 19 y a inicios del siglo 20.


 La economía está basada en la producción a base del trabajo manual en los talleres artesanos. Este tipo de producción que venía desde la Edad media, no podía suministrar productos a la población debido al aumento de habitantes que sufrieron las ciudades. Por ello, se inventaron máquinas que cambiaron los talleres por fábricas y la producción aumentó considerablemente.

Quiero mencionarte algunas causas de esta revolución:

-Gran aumento de población.
-Necesidad de abastecerse con productos.
-Los burgueses son los que mandan y pueden poner las leyes que les convengan.
-Las colonias de América, África y Asia suministran materias primas a bajo precio.
-Se inventan máquinas que facilitan el trabajo.
-Se costruyen los primeros ferrocarriles que te permiten traspasar mercancías.
Esta surge en Inglaterra, pero poco a poco esta fue afectando a las demás naciones Europeas.

Pero también es importante saber las consecuencias que este tuvo en la sociedad entre otras cosas:

-La población campesina abandona el campo para irse a trabajar a las ciudades
-Surgen los sindicatos o uniones de trabajadores para luchar por sus intereses
-Se produce una lucha por conquistar colonias que le suministres materias primas baratas.
-Se diseñaron y desarrollaron, perfeccionaron las vías de comunicación y las vías de transporte.
-Surgen nuevas políticas: socialismo, democracia.
-Se producen novedosos y grandes inventos: La pila eléctrica, El pararrayos de Franklin, barco de vapor, el termómetro.
En un principio, existió una gran transformación demográfica con el traspaso de las poblaciones rurales a la ciudades y las migraciones Internacionales.



Luego de esto tuvo lugar a cambios económicos, con la producción en serie y el surgimiento de grandes empresas lo que contribuyó a afianzar el capitalismo.  

viernes, 10 de julio de 2015

Neoclasicismo, el siglo de las luces.



En esta ocasión te voy a hablar de el Neoclasicismo, este comienza a surgir junto al movimiento barroco, en el último tercio del siglo XVIII y llega hasta mediados del siglo XIX en España.
 Se convierte en el estilo de lo nuevo (la revolución francesa) frente a lo viejo (el Antiguo régimen/Barroco) Aparece con un deseo consciente de imitar la antigüedad romana.
Surge por agotamiento de formas decorativas del Rococó. Está influenciado por el descubrimiento de ruinas de Pompeya y Herculano arrasadas por sedimentos volcánicos; interés por arqueología y cultura griega y romana.
Debes de saber que para esos tiempos existio un señor apellidado Winckelmann el cual publica el libro llamado “Historia del arte de la Antigüedad” “El único camino para alcanzar la grandeza es imitar la Antigüedad” Valoración de la historia del arte como una disciplina. Admiración hacia el Arte clásico como el griego y romano, del cual por este se generó este gran arte del Neoclasico para volver a los tiempos.


 Características Generales
-Reproduce con mayor o menor fidelidad los monumentos clásicos
 -Utiliza los órdenes clásicos, elementos etruscos e incluso egipcios.
- En la fachada utiliza composición clásica del templo romano
- Pilastras adosadas, molduras
- Decoración: Guirnaldas, jarrones, roleos, grecas
-Predominio de las líneas rectas : Estatismo
-Clásico Monumental
-Claridad en Composiciones
-Ordenado
-Fría Apariencia, Equilibrado      




 
MUEBLE NEOCLASICO

Este estilo está definido por los motivos de fuentes grecorromanas.
Los muebles neoclásicos eran simples y geométricos con patas rectas que se iban estrechando de sección redonda o cuadrada.
En los muebles neoclásicos se usaba distinta ornamentación como medallones, dentículos, molduras corintias, jónicas o dóricas y se usaban maderas como el ébano o la caoba
El estilo de muebles neoclásicos inglesas nace con los muebles pintados y la decoración de incrustaciones. Este estilo se propagó con rapidez por Inglaterra y se adaptaban los muebles al estilo neoclásico.



A continuación te mostraré algunos ejemplos de estos:






¿Quien era Andrea Palladio?

Andrea Palladio.



¿Te preguntarás porque la foto de Palladio es un hombre?
En efecto, Andrea Palladio es él y es así porque en España es muy común escuchar estos nombres. 
Dejame contarme lo importante que fue Palladio en esta época.
Andrea di Pietro, universalmente conocido como Palladio, vino al mundo en la ciudad italiana de Padua un 30 de noviembre de 1508. De familia humilde; apenas con 13 años ingresaría como aprendiz en un taller  de la ciudad, donde iniciaría su formación hasta que, en 1523, su familia se instaló en la no lejana Vicenza, en cuyo gremio de constructores se inscribió Andrea mientras completó su formación de juventud al amparo de los talleres de Giovanni di Giacomo da Porlezza y de Girolamo Pitteli.
Llegado a la treintena y mientras trabajaba en las obras de una villa cercana a Vicenza, Andrea entró en contacto con Giangiorgio Trissino, humanista y personalidad de gran relevancia en los ambientes culturales vicentinos, quien lo puso bajo su protección ayudándolo a completar su formación mediante la financiación de diversos viajes a Roma, ciudad en la que tuvo la oportunidad de conocer in situ las ruinas clásicas. Fue precisamente el mecenas Trissino quien acuñó el apelativo de Palladio para referirse al joven Andrea en evocación a Palas Atenea, diosa griega protectora de las artes.
Fue así como Andrea Palladio fue alcanzando notable prestigio en los ambientes ilustrados de la región del Veneto, siéndole encargados numerosos proyectos de palacios y villas señoriales suburbanas. A la muerte de Trissino y ya con un importante bagaje a sus espaldas, entabló contacto con Daniele Barbaro, cardenal humanista y profundo estudioso de la arquitectura antigua, muy especialmente, de los escritos de Vitrubio.
Fue precisamente a través de su nuevo mentor Daniele Barbaro como Palladio fue poco a poco introduciéndose en los círculos humanistas y culturales de la esplendorosa Venecia, donde gracias a los méritos que cosechó proyectando principalmente edificios religiosos, llegó a ser nombrado arquitecto mayor de la República, cargó que hasta su muerte en 1580, compaginaría con distintos proyectos tanto públicos como privados siempre en la norteña región del Véneto.


Palladio y sus "Cuatro Libros de Arquitectura".

Además Palladio ha sido unánimemente reconocido como una figura clave de la arquitectura de la Edad Moderna gracias a sus "I quatro libri dell'architettura"; un brillante tratado en el cual, gracias a su profundo conocimiento de los teóricos clásicos -principalmente Vitrubio- sentó las bases de un nuevo lenguaje arquitectónico basado en la proporción y los órdenes arquitectónicos antiguos.
Publicado en Venecia, ilustrado por el propio Palladio y escrito en latín vernáculo como era tradicional en los círculos humanistas de la época, el tratado se compone de cuatro libros:
· El primero trata sobre las herramientas del arquitecto, la elección de los materiales, las técnicas constructivas, los órdenes clásicos y las normas de la proporción.

· En el segundo se proponen varios modelos de palacios tanto en planta como en alzado, siendo en cierto modo una forma de llevar a la práctica las teorías presentadas en el primero de los libros.

· En el tercero, basándose en el saber vitrubiano, Palladio se centra en la construcción y organización de calles, plazas, palacios, puentes, basílicas y distintos equipamientos urbanos.

· Por último, en el cuarto de los libros, son presentados varios modelos ornamentales que el autor recopilaría durante su visita a Roma.


Por eso Andrea Palladio es tan importante en la historia de todo arquitecto, sin duda un gran modelo a seguir y el Padre de muchos de nuestros conocimiento hasta en la actualidad.

Rococó.



El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI este se ha considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco por de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.

Características del Rococó.

En arquitectura los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración es increíblemente grande. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los salones occidentales con sus temas más representativos.
Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.
Los adornos se adherían en las grutas y las cascadas representando falsas rocas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el  sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc.


El aspecto más destacable de los interiores rococó es la distribución interna. Los edificios tienen estancias especializadas para cada función y una distribución muy cómoda. Las habitaciones se diseñan como un conjunto que, con una marcada funcionalidad, combinan la ornamentación, colores y mobiliario. El nuevo estilo fue perfecto para las residencias de la nobleza y la alta burguesía, las clases más ansiosas de cambiar según los nuevos cánones y las más dotadas de medios económicos para conseguirlo.

Mobiliario
El diseño de muebles es la principal actividad de toda una dinastía de ebanistas parisienses, alguno de los cuales había nacido en Alemania, que desarrollan un estilo de línea curva en tres dimensiones, donde las superficies barnizadas se completaban con marquetería de bronce.
En Francia el estilo se mantiene muy sobrio, puesto que los ornamentos, principalmente de madera, eran menos macizos y se presentaban como composiciones de motivos florales, escenas, máscaras grotescas, pinturas e incrustaciones de piedra.
La tapicería fue un capítulo importante para conseguir comodidad en el mueble. Los asientos llegaron a cotas de comodidad inimaginables pocos años antes. La tendencia general a favor del lujo y del confort hizo que los cortesanos y los asiduos asistentes a los salones pudieran ahora sentarse (e incluso reclinarse y estirarse) en las reuniones, a diferencia de la época anterior, en la que había sido obligatorio permanecer de pie por cuestiones de protocolo.


Te voy a mostrar dos ejemplos del arte en el Rococó: